Hexvessel - No Holier Temple - Reseña

Hexvessel (Finlandia)
No Holier Temple (2012)
Calificación 4.5 / 5.0
Disquera: Svart Records

En corto:

- Folk Psicodélico excelentemente bien hecho.
- Musicalmente sólido, honesto y auténtico.
- Sútil en los detalles, profundo en lo conceptual.
- Matemática y espíritu en la misma ecuación.

Géneros en juego: Folk Psicodélico, Rock Psicodélico, Dark Folk, Heavy Psych.

Website: https://www.facebook.com/hexvessel

Para muestra un botón:

Tracklist:

01 - Heaven and Earth Magic 

02 - Woods to Conjure
03 - Wilderness is
04 - A Letter in Birch Bark      

05 - Elegy to Goyahkla
06 - His Portal Tomb
07 - Are Your Coniferous?
08 - Sacred Marriage
09 - Dues to the Dolmen
10 - Unseen Sun
11 - Your Head is Reeling

 Ad Absurdum Ad Infinitum (en otras palabras, la reseña extendida) :

Hexvessel es actualmente el proyecto principal de Mathew McNerney, mejor conocido como Kvohst en el mundo de la música extrema, los círculos más experimentales del metal y en la escena de la psicodelia contemporánea, en la que ciertamente se siente como pez en el agua según él mismo declara.

McNerney es un músico inglés que ha ido dejando una huella sumamente peculiar e inmediatamente reconocible en todas y cada una de las bandas en las que ha participado dado su gran talento y versatilidad.

Entre esas bandas se cuentan <Code>, Beastmilk, Dodheimsgard, Decrepit Spectre, Gangrenator, The Tragedians y Void, así como cooperaciones en un par de albums para Virus, el célebre grupo liderado por Carl-Michael Eide, considerado por éste como continuación de sus experimentaciones en el ya también legendario Ved Buens Ende, ambos, proyectos que ciertamente no permiten la incursión de cualquier músico de media talla.

Con tal curriculum sería lógico esperar alguna nueva incursión en terrenos metaleros, sin embargo esta vez hablamos de folk psicodélico; aunque no importaría si fuese grindcore, blackmetal, metal progresivo, industrial, avant-garde o post-punk, Kvohst siempre ha sabido llevar más allá de lo típico su trabajo y Hexvessel no es la excepción.

Una de las cosas que es imposible dejar de decir sobre la música de Kvohst es que es auténtica y honesta. A medida que uno va conociendo y entendiendo su historia personal, ésta resulta absolutamente congruente con la otra y si algo es valioso y escasea estos días es precisamente música honesta y músicos lo suficientemente valientes para experimentar artísticamente más allá de las convenciones de género y de lo que su audiencia misma pudiera esperar de ellos.

En una entrevista maravillosamente bien hecha y publicada en dos partes para la televisión estudiantil sueca de Uppsala, McNerney cuenta que creció en Inglaterra y desde siempre se mostró interesado en la mitología, especialmente la nórdica, por lo que llegado el momento emprendió estudios en historia de la era vikinga.

Eventualmente Londres termina por deprimirlo y esto coincide con sus estudios universitarios - que había aprovechado para aprender durante tres años la lengua noruega - adónde finalmente decide marcharse, concretamente a la región lapona de Karasjok que colinda con Finlandia.

Ingresa a una escuela militar donde aprende el pastoreo de renos, a trabajar la madera, las pieles y a vivir principalmente de la tierra. Posteriormente se casa con una mujer finlandesa y deciden establecerse en aquel país. Durante la boda conoce a integrantes de la banda Dark Buddah Rising y en ese momento Kvohst finalmente encuentra terreno fértil para cristalizar Hexvessel.

Totalmente compaginados por su modo de vida cercano a la naturaleza, su afinidad por el paganismo (también bastante habitual por aquellos lares), el interés por el conocimiento mágicko, el ocultismo, la literatura y la experimentación con la música psicodélica y folk, para Febrero del 2011 publican "Dawnbearer", su primer larga duración a través de Svart Records. 

En mi opinión, "Dawnbearer" es un brillante album de música folk sumamente directo en sus formas, muy cercano a ser casi enteramente acústico, tremendamente fresco y con un espíritu psicodélico sugerido con delicadeza, evitando en su diseño la grandilocuencia o la pretenciosidad a través de piezas cortas pero substanciosas y congruentes entre sí.

Mientras que "No Holier Temple" es todo eso y más, salvo dos diferencias. La primera es la inclusión de canciones algo más extensas y por otra parte, la forma en que los elementos de música psicodélica son más palpables, ambas cosas sin implicar menoscabo alguno al muy evidente carácter ritual y mágicko de la música que presenta.

El trabajo de las guitarras en piezas como "A Letter in Birch Bark" y "Sacred Marriage" a momentos incluso llega a recordar un tanto el sonido del Pink Floyd de finales de los sesentas y principio de los setentas y algunos otros en "Unseen Sun" invitan a pensar en Jethro Tull, pero solo lo suficiente, a manera de no terminar resultando trabajos derivativos, sino más bien homenajes manejados con sutileza.

A instantes los teclados evocan apenas sugeridamente la influencia de los Doors, mientras que otros pasajes imbuidos con elementos de música gitana trabajan a la perfección en la dirección que busca seguir el album. Esa dirección es tan clara, que nunca es anticlimática la forma en que se suceden los temas y cada uno de ellos contribuye a dar cohesión al concepto general del disco.

En general la construcción del album es brillante, piezas cortas como la abridora "Heaven and Earth Magic", "Wilderness is" y especialmente "Elegy to Goyahkla" y "Are you coniferous" operan como interludios para piezas más complejas, como el caso de "His Portal Tomb", resultando verdaderos respiros meditativos que incluso aportan fuerza al sentido ritual del album e invitan a escucharlo completo nuevamente una vez que concluye.

Lo mismo sucede con "Dues to the Dolmen" y "Your Head is Reeling" (cover de Ultimate Spinach, banda de rock psicodélico americana de finales de los años sesenta), que hacen de interludio matemáticamente construido a consciencia para permitir operar con toda su carga a "Unseen Sun". Para entender el manejo matemático de tiempos en pos de la construcción del ritmo ritual del album basta con ver la duración de las piezas que se comentan, en resumen, este es un disco sin cabos sueltos y necesita ser de una pieza para operar como pretende.

En lo conceptual, McNerney comenta que "Dawnbearer" es un album creado como manifestación de su propio viaje espiritual y gira en torno a la idea de la búsqueda de iluminación, mientras que "No Holier Temple" es una serie de meditaciones en torno al concepto de lo que es sagrado, su razón de ser y la forma en que nos vemos concectados con el mundo en su sentido natural, pero también en el sentido de ser resultado de la voluntad convertida en realidad a través del ejercicio de vivir como trabajo mágico de arte permanente.

No estamos ante otra banda más que juegue a ese revival gastadísimo de la psicodelia sesentera y setentera tan popular hoy y que se encuentra hasta debajo de las piedras; que por cierto, no me parece destinado a una vida muy larga o exitosa. Por principio, porque parece más una débil juntura de los clichés del género, que un rescate del verdadero espíritu del rock o el folk psicodélicos, y por otro lado, porque la mayoría de las bandas se parecen al grado de parecer copias al carbón, agotando rápidamente cualquier sentido de frescura en dicho revival... así de paradójico como suena.

Lo que tenemos aquí es a una banda con una identidad sumamente propia que explora con su música más allá de las convenciones del género, pero que lo hace con sencillez (que no simplismo) y con sutileza (que es una de sus claves), construyendo un album sólido en lo musical, profundo en lo conceptual, con la minuciosidad matemática que exige su carácter mágico y ritual y con un gran nivel de compromiso.

Cuando el trabajo de un ARTISTA (en este caso un músico) en sus formas, su contenido y espíritu es congruente con las ideas, emociones y experiencia de vida de su creador, no queda más que apreciarlo por sus méritos de calidad y autenticidad.



Después de haber seguido la trayectoria de Mathew "Kvohst" McNerney por algunos años y ahora indagar más en torno a sus ideas, no me queda más que ubicarlo desde mi personal punto de vista, como una de las mentes más interesantes en tiempos recientes en el terreno de la música no comercial.

Aplaudo sinceramente su visión y su cambio de dirección, aún cuando entiendo (no sin cierto pesar) que difícilmente incursionará de nuevo en el mundo de la música extrema y no me queda más que atesorar lo que produjo en él. Especialmente su trabajo en <Code>, por el que desde hace tiempo los considero una de mis bandas favoritas, en particular tras el "Resplendent Grotesque" del 2009.

No es casualidad que en "Dawnbearer" (el album debut de Hexvessel) se encuentre una canción llamada "Radiant Trascendent", que bien podría operar como posible cierre simbólico de su paso por el mundo del metal y contraparte de "Resplendent Grotesque". Si es el caso, se agradece lo que dejó (que no es poco) y deseo una larga vida a Hexvessel, a quienes por supuesto seguiré con mucha atención, porque ciertamente su propuesta es todo lo mágica y trascendente que busca ser. Espero que otros amantes de la música extrema que siguieron el trabajo de este músico sean capaces de abrir sus oídos y sus mentes más allá de las poses o el hábito de identificar a Kvohst con cierto sonido para poder apreciar en toda su magnitud lo que ofrece con este proyecto.

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BONUS TRACKS:

Hexvessel (Finlandia)
Dawnbearer (2011)
Disquera: Svart Records
Calificación: 4.5 / 5.0

Géneros: Folk Psicodélico, Dark Folk

  

 

Tracklist:

01 - Invocation Summoning  

02 - Heart of the Mind World
03 - Scarlet Cassocks
04 - The Death Knell Tolls      

05 - I Am the Ritual
06 - Radiant Trascendent
07 - Wayward Confessor
08 - Diamonds
09 - A Stranger's Grave
10 - The Tunnel at the end of the Light  
11 - Salomon's Song
12 - Wychwood Shrine
13 - Oracle of the Starlit Dawn

<Code> (Londres - Inglaterra)
Resplendent Grotesque (2009)
Disquera: TABU Records

Calificación 4.0 / 5.0

Géneros: Black Metal, Metal Progresivo

      




 

Tracklist:

01 - Smother the Crones   

02 - In the Privacy of your own Bones
03 - The Rattle of Black Teeth
04 - Possession is the Medicine   

05 - Jesus Fever
06 - I Hold your Light
07 - A Sutra of Wounds
08 - The Ascendent Grotesque

Umbra et Imago #01 - Peter Saville y el arte gráfico de "Factory Records"

Hacia finales de los años 70's, Tony Wilson, periodista y dueño del club "The Factory" (nombre tributo al estudio artístico de Andy Warhol y al que después cambiaría el nombre por "The Haçienda" en 1980) lo haría operar como foro para muchas de las bandas de New Wave y Post-Punk de la escena de Manchester y localidades vecinas, teniendo como extensión a Factory Records como vía para dar mayor notoriedad a dichas bandas.


Como fundador del sello discográfico, Wilson se rodeó de un equipo conformado por Alan Erasmus, Rob Gretton, Martin Hannet y Peter Saville. Todos ellos altamente compenetrados en torno a una visión en la que el arte gráfico fuera parte esencial de los trabajos de la compañía, a tal grado que tanto los discos como también los posters y flyers pasaban a tener un número de serie en el catálogo del sello.

Peter Saville, un egresado de la carrera de diseño gráfico de la Escuela Politécnica de Manchester estaba a la batuta del trabajo gráfico de la disquera y no pasó demasiado tiempo antes de que su trabajo tomara notoriedad dado su particular carácter. Como anécdota curiosa cabe mencionar que Saville realizó el primer cartel para Factory Records, aunque lo entregó fuera de plazo justo al finalizar el evento.

Su trabajo fue expuesto en retrospectiva en el Museo del Diseño de Londres en el 2003 y ha recibido la prestigiosa medalla London Design y aunque su opinión sobre la moda es la de ser un "ejercicio de control mental de masas y de trivialidad orientada a la esclavización de la gente a través de ciertos hábitos de consumo" eso no evita que sea llamado a trabajar para gente como Jil Sander, John Galliano, Christian Dior, Stella McCartney, Raf Simons o la marca Lacoste entre otros.


* La ya icónica portada del "Unknown Pleasures" de Joy Division de 1979. Saville presentó la imágen a Rob Gretton entonces manager de la banda. Esta representa el patrón de onda del CP 1919, el primer Pulsar descubierto. Esta imágen fue obtenida por The Cambridge Encyclopedia of Astronomy vía el Observatorio y Centro de Astrofísica Jodrell Bank, originario también de Manchester. Saville invirtió la imagen de negro sobre blanco a blanco sobre negro e impreso en tarjeta de textura para la versión original del álbum.

Detalle en 3D del diseño de Peter Saville.

"Mis problemas realmente comenzaron en el momento en que me aproximé a Tony Wilson durante un concierto de Patti Smith en 1978" dice Saville. "Wilson estaba en el proceso de lanzar Factory Records y yo había estado intrigado por las portadas de discos desde que compré la edición británica del Autobahn de Kraftwerk, aunque no tenía intención alguna de ser diseñador."

Portada para "The Thin Wall" de Ultravox (1981)

"Factory Records no era una compañía, era una oportunidad autónoma que simplemente nos ocurrió en Manchester manifestada por Tony. Él tenía un empleo en la televisión, así que no necesitaba ningún dinero. Era lo que se podría llamar un capricho, una colección de individuos haciendo exactamente lo que sentían. Nadie tenía que responderle a nadie."

"La cultura Pop solía ser como el LSD: diferente, reveladora y razonablemente peligrosa. Ahora es como el crack: aislante, llena de desperdicio y sin absolutamente ninguna calidad redentiva en lo más mínimo"

Portada para "True Faith" de New Order (1987)

“Este fue mi primer trabajo de la vida real. En 1986 tuve un trauma en mi vida personal y esto me sintonizo de manera muy consciente con el mundo a mi alrededor. Estaba estacionando el auto de noche y una hoja llegó volando, quedó atrapada en el parabrisas y pensé en lo bella que era, quizá por eso la vi como imágen. Fui con el fotógrafo Trevor Key al Windsor Great Park, volvimos con cerca de 50 hojas e hicimos tomas hasta tener la indicada. Debía tener la forma correcta y dar la apariencia de estar cayendo. Entonces no había manipulación digital. Aún tengo la hoja, aunque siempre me hace pensar que un buen día terminará deshaciéndose."

Power, Corruption & Lies - New Order (1983)

"Poder, Corrupción y Mentiras", el título sonaba maquiavélico, así que fui a la National Gallery buscando el retrato renacentista de algún príncipe obscuro. Al final era demasiado obvio y me rendí, compré algunas postales y estaba con quien era mi novia entonces. Ella me miró sosteniendo una postal de una pintura floral de Fantin-Latour y dijo: "No estarás pensando en eso para la portada". Fue una idea maravillosa. Las flores sugieren un medio a través del cual el poder, la corrupción y las mentiras pueden infiltrarse en nuestra vida. Son seductivas. 

Tony Wilson llamó al director de la galería para pedir permiso de usar la imagen. Durante la conversación éste dijo: "Señor, a quién pertenece la pintura?" a lo que la respuesta fue "Pertenece al pueblo británico y creo que el pueblo la quiere" y entonces el director contestó "Puesto de ese modo Sr. Wilson estoy seguro de que en este caso podemos hacer una excepción."

"This is Hardcore" - Pulp (1998)

"Mi experimento con un apartamento en Mayfair nos reunió a Pulp y a mí. La decadencia de los 70s del interior era epítome de la atmósfera de su álbum."


"El día del gran terremoto de los Ángeles en 1994 tenía $3 dólares en la bolsa. Literalmente. Eso era nuevo para mi. Necesitaba $20 diarios para conducir el auto, porque hay que manejar en LA... y hay que comer. Gente que era tu "amiga" te hacía esperar todo el día por $20. Probablemente fue bueno para mi entender el significado de no tener dinero."

Seville en su estudio

Eventualmente Seville regresó a Inglaterra para descubrir con asombro que enmedio del clima de reverencia engendrado por el Britpop, su trabajo estaba más en demanda que nunca, no solo por bandas como Suede y Pulp, sino también por la industria de la moda a la que siempre había detestado.

"Recuerdo haber estado en una junta y de pronto hubo un silencio y el hombre en el extremo de la mesa dijo: "Relájate, solo estamos aquí para hacer dinero". De hecho yo no estoy aquí para hacer dinero. Estoy aquí para tratar de hacer algo mejor. La idea de que la gente solo está haciendo las cosas para hacer dinero pero sin valores de ninguna clase detrás de éstas, es lo que hace que la gente adopte cualquier posición necesaria para obtener esas metas y eso no tiene nada que ver con lo que alguna vez he hecho."

 

Joy Division - El Documental

Porque lo prometido es deuda, publico el documental de Joy Division dirigido por Grant Gee y escrito por Jon Savage.

A 35 años del "Unknown Pleasures" de Joy Division.

Corría la segunda mitad del último año de la década de los 70's, la nueva década estaba a la vuelta de la esquina y la que agonizaba había visto el nacimiento de diversos estilos musicales ya para entonces afianzados en la conciencia colectiva, algunos con mayor resonancia comercial que otros. Muchas de las bandas que ahora son reconocidas por de facto entonces llevaban algún tramo de su camino recorrido y lanzaban nuevos trabajos.

En Enero UFO publicaría el celebradísimo "Strangers in the Night", el legendario en vivo que sería su 8vo album. Febrero sería un festín para las bandas teutonas de distintos géneros, desde el "Force Majeure" de Tangerine Dream (probablemente el mejor album de esta insigne banda electrónica progresiva y 10mo en su discografía) y  el "Lovedrive" de Scorpions (su 6ta grabación que replantearía el sonido de la banda, amén de la entonces controversial portada de Storm Thorgerson de Hipgnosis).

Marzo vería venir el "Overkill" de Motörhead (su segundo disco) que aunque aún era un album de Rock'n roll durísimo con raices blueseras y con ese toque tan desafiante propio de la energía del punk, ya comenzaba a bordear la mayor dureza de lo que sería el heavy metal como se entendería en los 80's pero sin azúcar de colores ni la exacerbada superficialidad ochentera ni el spandex combinado con chaquetas de cuero. Abril recibiría el excelente "Black Rose: A Rock Legend" de Thin Lizzy (su 9no album) y vamos, este recuento es una constancia de que a excepción de Motörhead, todos los demás albums de algún modo encajaban dentro de estilos musicales ya para entonces bastante delineados.

y luego llegó Junio...

Algunos marcan el nacimiento del Post-Punk durante los meses finales de 1977 para definir la forma en que algunos artistas tomaron la música Punk y la habían abierto, para empezar, al uso de melodías más definidas y prominentes y en segundo lugar, a formas de experimentación mucho más complejas e introvertidas incorporando influencias desde el Dub, la música electrónica, el Funk y el Krautrock entre otras, hasta el punto de llegar a integrar de modo substancial el uso de teclados buscando en muchas ocasiones la construcción de atmósferas frías, melancólicas y pulsantes.

En ese contexto y sin advertencia alguna, un día como hoy pero de 1979 veía la luz el "Unknown Pleasures", primer larga duración de Joy Division, una banda de Manchester que aunque enmarcada en el naciente movimiento Post-Punk habría incluso de tener mayores alcances pues vendría a definir mejor que ninguna otra hasta entonces, las raíces del rock gótico.

Mucho se ha hablado, escrito y tratado de seguir cronológicamente el nacimiento del rock gótico. Algunos de esos seguimientos marcan al "The Staircase (Mystery)" de Siouxsie and the Banshees y al "Bela Lugosi's Dead" de Bauhaus como marcas de arranque del género antes de llegar el "Seventeen Seconds" de The Cure o el "Black Album" de The Damned meses después.

"Bela Lugosi's Dead" sería lanzado en Agosto de 1979 y si bien el sencillo de Bauhaus definitivamente posee todos los elementos para ser consignada bajo la etiqueta del género, "Unknown Pleasures" en toda su extensión como álbum fue en aquel entonces una experiencia sonora única que destilaba un altísimo nivel de interioridad y ciertamente era un retrato apabullante de la personalidad de los músicos de la banda y principalmente de su vocalista, Ian Curtis, quien tras su suicidio al año siguiente en Mayo de 1980 pondría punto final a Joy Division llevando a los miembros restantes a fundar la banda New Order.


"Unknown Pleasures" como album destila una atmósfera autocontenida, casi claustrofóbica. Su sonido invita a pensar en la pesadez y reclusión impuesta por el entorno urbano-industrial de la Inglaterra de finales de la década de los 70's y en los sueños no cumplidos del pueblo inglés llano.

En ese sentido el album trasciende para convertirse en parte del retrato cultural de una nación y la encrucijada económica, política e intelectual de su juventud. Cosa que a su vez quedó perfectamente registrada en las apariciones en vivo de la banda y de manera especialmente lograda en el documental sobre la banda dirigido por Grant Gee y escrito por Jon Savage, que a mi parecer igualmente trasciende de ser el seguimiento de la banda para ser constancia de la Inglaterra del momento y el cual por supuesto recomiendo ampliamente.

"Unknown Pleasures" queda pues como testimonio acústico de cuanto es posible lograr con el mínimo de recursos en un mundo de sueños interrumpidos por el desencanto y la incongruencia entre lo prometido y la realidad fáctica.

Tracklist:

01 - Disorder     

02 - Day of the Lords
03 - Candidate
04 - Insight      

05 - New Dawn Fades
06 - She's Lost Control
07 - Shadowplay
08 - Wilderness
09 - Interzone

10 - I Remember Nothing

Anathema - We're Here Because We're Here - Reseña

Anathema (Liverpool, Inglaterra)
We're Here Because We're Here (2010)
Calificación:  4.0 / 5.0
Disquera: Kscope Records

En corto:
- Lo bello trasciende etiquetas, géneros y poses.
- En serio, date la oportunidad.
- Entre mis favoritos del 2010
- En mi inventario permanente en caso de naufragio.
- Si este no te gusta... caray... de verdad no te gustó?


  Géneros en juego: Rock Alternativo, Rock Atmosférico, Art Rock.

Website:  http://www.anathema.ws/

Para muestra un botón: 

      

Tracklist:

01 - Thin Air
02 - Summernight Horizon
03 - Dreaming Light
04 - Everyting
05 - Angels Walk Among Us
06 - Presence
07 - A Simple Mistake
08 - Get Off, Get Out
09 - Universal
10 - Hindsight

 Ad Absurdum Ad Infinitum (en otras palabras, la reseña extendida) :

Para este álbum podría bastar la versión corta (y cursi) de esta reseña: "We're Here Because We're Here" es un álbum sorprendentemente luminoso, un viaje que enmarca la travesía que Anathema como banda ha hecho desde la profunda tristeza y desolación de sus primeros discos, hasta ámbitos más elevados dónde la luz y la inteligencia imperan y dónde cómo el título del disco indica, el aparentemente simple hecho de la presencia da significado entero a la existencia.

Agregaría las palabras de un usuario que me parecieron altamente rescatables y que aunque eran respecto al "Alternative 4", aplican muy bien aquí: "Este álbum es casi una mezcla perfecta entre el Rock con toques progresivos y la música alternativa suave pero inteligente"

Cuando pienso en Anathema vienen a mi mente bandas que también han mutando entre géneros a través de los años dando vuelcos estilísticos de 180 grados hasta convertirse en bandas musicalmente más interesantes, en su momento ha sido el caso de grupos como Katatonia, The Gathering, Tiamat y Theatre of Tragedy por citar algunos (bueno, excepto este último, que me parece dió el saltapatrás darwiniano, aunque habrá quien vea evolución dónde yo no logro verla).

A veces tales cambios funcionan y representan pasos hacia la formación, renovación o fortalecimiento de una identidad, mientras que en otras ocasiones resultan incluso en una sentencia de muerte creativa o la disolución de la banda en cuestión. En el caso de Anathema nos lleva a hablar de una banda que ha evolucionado desde el Death Doom Metal, pasando por el Doom con un uso discreto pero efectivo de elementos más propios del Rock Progresivo para finalmente llegar a una suerte de Rock Alternativo inteligente. Todo lo cuál me parece un viaje largo y arduo que no cualquier banda podría superar.

La discografía de Anathema es interesante por su calidad, independientemente del género en que podría ubicárseles según el momento y también porque traza un verdadero mapa evolutivo de una banda con una búsqueda auténtica de identidad y de refinamiento musical.

"We're Here Because We're Here" es el noveno álbum de estudio de Anathema y el fin de un prolongado silencio luego de que en 2003  "A Natural Disaster" marcara una pausa en la producción de material original por parte de la banda. En 2008 vió la luz "Hindsight", un álbum con nuevas versiones de canciones ya conocidas, pero con un enfoque acústico que dejó ver la madurez de la banda en la construcción de arreglos más depurados.

En términos de producción este es quizá el álbum más refinado en la carrera de Anathema, no en balde le ha valido la mención de "Álbum progresivo del año" de parte de la "Classic Rock Magazine". En mi opinión es uno de los mejores tres de la banda junto con "Judgement" y "Alternative 4". El álbum construye una atmósfera positiva pero no demasiado acaramelada y es posible dividirlo en dos partes; la primera sumamente accesible con temas como "Summernight Horizon", "Dreaming Light" y "Everything" que seguramente en más de una lista de reproducción ya deben ser clásicos, mientras que a partir de "Presence"el disco comienza a mostrar una faceta más progresiva y que en lo personal es mi mitad favorita del album.

Siendo este un disco de Anathema, es imposible no tener algún referente a la influencia de Pink Floyd en el sonido de la banda y es precisamente en la segunda parte del álbum dónde lo encontramos, pero a diferencia de anteriores grabaciones, esta vez se presenta de manera mucho más discreta y matizada. A mi parecer, es dónde el álbum alcanza sus momentos más álgidos  en temas como "A Simple Mistake", "Universal" y "Hindsight".

Vincent Cavanagh tiene aquí (para mi gusto) el mejor desempeño vocal de su carrera. Su hermano Danny muestra ya madurez total en su estilo a la guitarra; mientras que Jamie (su otro hermano) al bajo, junto con John Douglas (en la batería) arman una impecable sección rítmica que enmarca a la perfección la atmósfera que busca generar el álbum.

Mención especial merece el trabajo de Les Smith en los teclados y Lee Douglas que en los coros ya es ingrediente infaltable en el sonido de Anathema.

En resumen, uno de esos discos que te hacen el día, la semana y si no te cuidas el año. No importa que género sea tu favorito, abre tus oídos y olvidate de etiquetas, modas o poses por un momento y date la oportunidad de escuchar este álbum, te espera una experiencia muy gratificante.

Los años de Anathema como banda de metal acabaron, como también acabaron los años de búsqueda de identidad y de un sonido propio, los álbums permeados por esa intensa aura depresiva también se han marchado y al final esta ecuación que ha tomado 20 años en despejarse deja como resultado a 6 músicos increíblemente capaces de compartir viajes memorables que seguramente perdurarán por mucho tiempo, porque finalmente han encontrado el vehículo y también la ruta.

Pink Floyd - Atom Heart Mother - Reseña

Pink Floyd (Londres, Reino Unido)
Atom Heart Mother  (1970)
Calificación 5.0 / 5.0
Disquera: Harvest / EMI Records

En corto:
- Obra maestra del género en que gustes encasillarlo.
- Psicodelia en su máximo esplendor.
- Criminalmente subvalorado, incluso por la banda...pfff !!!
- Adelantado a su tiempo.
- Vaca: ...y así con esta leche, nació la vía láctea, preguntas?

Géneros en juego:
 Rock Progresivo, Rock Psicodélico, Rock Progresivo Sinfónico, Música Experimental.

Sitio Web: http://www.pinkfloyd.com/ 

Esta vez nada que agregar, que hable la música por si misma:

 

Tracklist: 

01 - Atom Heart Mother Suite

02 - If

03 - Summer '68

04 - Fat Old Sun

05 - Alan's Psychedelic Breakfast